小林　岩井俊二というのは、僕にとってはかなり関わりの深い友人なので、自分の音楽という軸と共に、岩井君と僕のラインを一個、作れるのだったらいいな、と思っていたからね。

ただ、「この映画は、こんなふうになるといいんだよな」という、僕のヴィジョンは、音楽で追い込んでってる時にかなりあったんだよね。

結果として、どの程度の支持を集められるかはわからないけれど、自分にとってこの映画がどういうふうになったらいいかって事だけは、ずっとはっきりしていたんだ。
やりにくいなって事がなければ、たぶん作れるんだろうな、とは思っていましたよね。だってほら、音楽を作るのも、僕の場合はチームプレーだから。人に伝えていくことの積み重ねで作ってきてるから。

もちろん、PVを撮ったりとか、ある程度は経験もあるし、全体の構成とかね、ストーリーみたいなアウトラインとかも全部、プロデューサーとして基本的にやってきているので。

あとは絵コンテを準備するといいとか、助言してくれる人もいたけれど、手持ちカメラがメインの撮影だったから、あえてやらなかった。映画の予算的な規模もあって、岩井君のある種のシステムというか製作チーム既にいたっていうのも含めてね、そのやり方で進んでいったかな。

岩井　そういう意味では、僕は元をただすと、ミュージックビデオをベースに、ドラマにいったので、最初はすごい批判をされたんですよ。
要するに、長回しで芝居をずーっと撮る、といったことが常識的じゃなかった。ワンシーンのお芝居をずーっとカメラが撮っていて、じゃ次、またアングルを変えて続きを撮るというのが、その頃のオーソドックスな方法だったんですよ。

でもミュージックビデオで歌を撮るのは、カメラが一台だととにかく撮り続けるじゃないですか。それが役者さんからすると、嫌だったみたいで、最初はすごい反発もあったんです。

小林　ああ、そうか。

岩井　逆に、普段はどうやっているんだろうと思ったら、たとえば（目の前のカップを取って）、コーヒーを一口飲んで、次のセリフを言うから、「用意スタート」、「はい、カット」みたいな感じなんですよ。
「OKですか？」
「OKです！　次行きます！」
「次はこっちから行きます」
「こっからですか？　え？」

演技がつながらないから、役者は自分が何をやっているかもわからない。 僕も自分で演出していてさえ「こんなにバラバラで撮っていったら、わかんなくなるよ」という感じ。

でも最初は、いろいろな人に確認してみたくらい、驚きました。
「本当にこんなふうに、細切れで撮るんですか」
「普通はそうなんだよ」
えーっ、わからん、と思った。なんでこんな撮り方をしなきゃならないんだ。せっかく役者同士が芝居しているのをライブで見られるのに、どうしてこんなに切り刻まなきゃならないんだっていう。見ていても面白くないのに（笑）。

たとえば登場人物が二人いて、どういうふうに視点が流れていって、今、お客さんは何を聴いて何を見ているのかという関係性。物語の比重がどんなふうに移りながら、何につながっていくのか――というセオリーがわかるのかな。

物語を水が流れるように、自分の中で描いてみているんだと思う。それは自分にとって難しいことではないんだよね。その流れさえわかっていれば、芝居の足りない部分や、カメラ回しでどう比重をかけていけばいいのかもわかる。
音楽を演奏するのも、長時間の流れを実際に頭の中でイメージしながら、そこをなぞっていくような作業だから。僕の場合はプロデューサーでもあるから、さらにプレーヤーの中で、「一発ここで仕掛けよう」とか、全体の流れを作ってきたからかもしれないね。